Российская школа акварели

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ АВТОНОМНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

"КАЗАНСКИЙ (ПРИВОЛЖСКИЙ) ФЕДЕРАЛЬНЫЙ УНИВЕРСИТЕТ"

ИНСТИТУТ ФИЛОЛОГИИ И МЕЖКУЛЬТУРНОЙ КОММУНИКАЦИИ

ОТДЕЛЕНИЕ ТАТАРСКОЙ ФИЛОЛОГИИ И КУЛЬТУРЫ

КАФЕДРА ДИЗАНА И НАЦИОНАЛЬНЫХ ИСКУССТВ



Кулагина Полина

"Российская школа акварелиРРррропромиртит"

( курсовая работа по дисциплине " Живопись")



специальность: 075200.62 профессиональное обучение

специализация: Дизайн-дизайн







Научный руководитель:

 Доцент Валиуллин. Ф. Р.

Работа защищена с оценкой

"____"  (_________________) __________________________

оценка прописью         подпись научного руководителя

"____"____________________________________2016 г.









Казань, 2016

Оглавление

Введение 

Глава I. История русской акварели

 1.1. Этапы  развития русской акварели, основные представители

1.2.  Общество русских акварелистов

Вывод по I главе

Глава II.  Современные русские школы акварели

2.1 Школа акварели Сергея Николаевича Андрияки

2.2 Акварели Елены Базановой

Вывод по II главе

Заключение

Библиография

Приложение



























Введение

Акварель – одна из самых сложных и загадочных художественных техник.  Тайна обаяния, неизменной привлекательности акварельной техники, ее вечной молодости и актуальности остается неразгаданной.  

 Целью данной работы является изучение основных этапов развития  классической акварельной живописи, и предпосылок её возрождения в современной России, а также знакомство с творчеством современных художников – акварелистов  возрождённых школ акварели.

 В работе рассматриваются такие темы как: исторические пути развития искусства акварели как материала живописи и графики, посредством ознакомления с творчеством художников прошлого; традиции акварели в России, тенденции возрождения классической акварельной живописи ; акварель в современной России.

 Анализируя литературу, рассмотрены проблемы современной акварельной живописи. В связи со сложностью акварельной техники мало художников используют её в своих произведениях. Акварель требует верной руки, чувства цвета, чёткости мазка. В  направлениях же современного искусства легче всего использовать живопись маслом, при неимении академического образования. В художественных вузах акварель используется на начальных стадиях обучения, как переходный материал. Обучению технике акварели, как виду живописи уделяется мало внимания. Возрождение академических школ акварели, где даются навыки овладения техникой акварели каждому желающему, в какой то мере, решает эту проблему.























































Глава I. История русской акварели

Этапы  развития русской акварели, основные представители.

История акварели в России начинается с ХVIII века – ею пользовались при «иллюминировании» гравюр и архитектурных проектов. В конце столетия акварель становится уже самостоятельным видом искусства, обладающим собственными средствами выразительности и художественным языком.

Техника акварели пришла в Россию, как и во многие страны Европы, из Англии. В практике английской акварели сложилась определенная система приемов работы «по-мокрому». Краска наносилась широкой заливкой. Общий тон подчинял себе остальные цвета – художественное впечатление строилось на постепенных, едва уловимых тональных переходах. Наиболее

ранними примерами этой «английской манеры» могут послужить акварельные видовые ландшафты М.М.Иванова, а также редкая для своего времени по жанру работа Г.И.Скородумова «Портрет И.И.Скородумова» (1790-е).(рис.1)

Родиной разновидности акварели, получившей распространение чуть

позже, была Италия. В итальянской акварели художник пишет «по-сухому».

Тона накладываются один на другой постепенно, после просыхания предыдущего слоя, мазками, градации цвета усиливаются от светлого к темному. Итальянскую акварель отличали звучное многоцветие, пластичность, яркость и напряженность колорита. Проводниками «итальянской манеры» стали члены обширной русской художественной колонии в Риме, пенсионеры Академии художеств, и прежде всего – К.П.Брюллов. Большую роль в развитии акварели в России играл пейзажный жанр. Здесь наряду с произведениями, исполненными исключительно акварелью, показательны и работы, сочетающие акварель с гуашью – «Вид Царскосельского парка» (1793) Ф. де Мейса, «Мельница и башня Пиль в Павловске» (не ранее 1797) С.Ф.Щедрина, а также гуаши с «эффектом акварели», например «Пруд в парке Царского Села» (начало 1810-х) А.Е.Мартынова. Они демонстрируют происходивший на рубеже веков процесс осмысления различий свойств водорастворимых красок, их взаимодействия с бумагой.

 Важной линией в формировании акварельного пейзажного жанра стали архитектурные виды и фантазии – ведуты, – исполненные архитекторами. Среди такого рода произведений гордость коллекции ГТГ – «Итальянский пейзаж. Рим» (1762–1764) В.И.Баженова, «Казанский собор в Петербурге» (1800) А.Н.Воронихина, «Пейзаж с руинами» (1800-е) Дж.Кваренги. Блестящим мастером ведуты, родоначальником городского пейзажа в России был Ф.Я.Алексеев. Его листы «Вид на Михайловский замок в Петербурге» (1799–1800), «Вид на Казанский собор» (1810-е) отличает изящество техники. 

Любительское рисование в целом и акварель в частности – существенная составляющая искусства начала XIX века. Из среды художников-любителей выходят такие крупные мастера, как П.А.Федотов и Ф.П.Толстой. Особое обаяние ранним акварелям Федотова (парные портреты супругов Колесниковых 1837; «Прогулка» 1837(рис.2); «Переход егерей вброд на маневрах», 1844) сообщают непосредственность, искренность, которые выдают путь «самообразования» их создателя. В его знаменитых сепиях безупречность исполнения выводит бытовую зарисовку из области любительского досуга в один из важных жанров изобразительного искусства. Работы Толстого – неожиданный поворот в развитии акварели. Они достаточно условно могут быть причислены к этой технике: художник сам растирал и готовил краски, которые представляли собой нечто среднее между гуашью и акварелью. Авторские краски позволяли использовать преимущества обеих техник – работать и корпусными мазками, и тончайшими лессировками. Интенсивность и плодотворность развития акварели зависела от степени ее востребованности, от того, насколько ее язык соответствовал эстетическим категориям эпохи. В эпоху романтизма акварель впервые по-настоящему обретает самостоятельность. 

В ранг ведущего жанра того времени был выведен портрет. Порой кажется, что художественные образы, созданные мастерами первой половины ХIХ века не только воплотили, но и сформировали представления об идеале эпохи – душевный строй модели, сам ее облик, манеру поведения. Акварельный портрет первой половины ХIХ столетия составляет самостоятельный раздел экспозиции, в котором это явление рассматривается в динамике. Ранние работы родоначальника жанра П.Ф.Соколова раскрывают свое происхождение от портретной миниатюры – в характерном малом формате, овальной композиции, особой трактовке пространства листа. Со временем эта связь утрачивается, изображение осторожно осваивает всю плоскость бумажного листа, мазок становится широким, свободным и разнообразным, краски – прозрачными, легкими. Выполненные за один сеанс, работы Соколова 1820-х – начала 1830-х годов полны тонкого обаяния дружеского диалога между художником и моделью. Достижения мастера вдохновляют большой круг последователей, достаточно широко представленный на выставке работами В.И.Гау, А.Д.Надеждина, М.Н.Алексеева, И.Алексеева, А.М.Воробьева, К.С.Осокина. Осваивая и варьируя соколовские приемы, художники создали галерею образов, настолько стилистически родственных, что в совокупности они воспринимаются как портрет прекрасной классической эпохи, в культуре которой искусство акварельного портрета возникло, расцвело и ушло безвозвратно вместе с поколением, чей образ оно так бережно сохранило. 

Другая самостоятельная линия акварельного портрета представлена творчеством братьев Александра и Карла Брюлловых. Характеристика акварельного творчества К.П.Брюллова была бы неполной без показа столь любимых современниками художника итальянских сценок – «перлов его фантазии и гениальной кисти». Художник добился здесь нарядной «средиземноморской» звучности цвета, умело гармонизировал сложные колористические аккорды, достиг предельной интенсивности красок и почти картинной выверенности и завершенности.

Уникально акварельное наследие А.А.Иванова. Это непревзойденный еще рубеж мастерства владения техникой и абсолютное выражение ее сути. К акварели художник обратился, обладая уже большим опытом в живописи маслом. Для Иванова акварель –это техника живописных исканий, обретения нового цветового и светового решения пространства. Написанные быстро, «на одном дыхании» натурные пейзажи середины 1840-х – 1850-х годов («Море у берегов Неаполя», «Лодки», «Вода и камни»), позволяют зрителю прочувствовать процесс рождения изображения от первого и до последнего движения кисти. Тема многих акварелей Иванова –солнечный свет. Словно осознавая уникальность художественной задачи, мастер отмечал произведения подобного рода специальным пояснением: «исполненные на солнце». Акварель «Терасса, увитая виноградом» представляет знаменитый «экспериментальный» альбом Иванова, составленный из почти монохромных натурных зарисовок. В них ослепительный солнечный свет, воплощенный в сияющей белизне листа бумаги, своевольно меняет форму и цвет предметов, обобщает очертания, создает эффект подвижной световоздушной среды, трепещущей, переливающейся материи. Вершиной творчества Иванова несомненно являются его «библейские эскизы». В условности акварельной техники, в принципиальной незаконченности высказывания, свойственной природе эскиза, художник находит соответствие своему замыслу. 

После почти одновременного ухода с художественной сцены выдающихся мастеров-акварелистов П.Ф.Соколова, К.П.Брюллова и А.А.Иванова акварель переживает очень сложный период, отмеченный серьезными изменениями в понимании задач и предназначения искусства, наметившимися в обществе. Утонченная эстетика и изысканная культура акварели с условностью и артистизмом ее языка в 1860-е годы не вполне соответствовали тем социальным задачам, которые выдвигались новой художественной эпохой. Позиции акварели оставались непоколебимыми лишь в таких традиционных для нее областях применения, как видовой ландшафт, «итальянский жанр», костюмированный портрет. Здесь заботливо сохранялись традиции, профессионализм исполнения. Тщательно разработанные, «картинные» листы К.Ф.Гуна, Ф.А.Бронникова, Л.О.Премацци, И.П.Раулова, А.А.Риццони, Л.Ф.Лагорио трактуют акварель как техническую разновидность живописи. Произведения воспринявших эту традицию художников демонстрируют очень естественную и неконфликтную смену поколений акварелистов-«консерваторов». 

Одновременно большие перемены происходят в иерархии и бытовании основных жанров акварели. Акварельный портрет и интерьер как непременные атрибуты дворянского быта сталкиваются с появлением модного конкурента – даггеротипа, а затем фотографии, которая постепенно замещает их «документальные» функции. Камерный акварельный портрет почти перестает быть заказным, он входит теперь в «рабочий» круг жанров, где происходит поиск иных средств выразительности, исподволь формируется иной язык акварели.

В середине XIX века акварель осваивает новые сферы применения – натурный этюд, иллюстрация, критический бытовой жанр, сатирические зарисовки. Каждый из этих жанров скромно обогащает технику какими-то особыми чертами. В бытовых сценках П.М.Шмелькова отрабатывается принцип взаимодействия акварели и карандашного рисунка, проложенного поверх еще не просохшего слоя краски, «происходит соединение двух начал – живописного и графического». В эскизах и этюдах картин художников-передвижников естественный и даже неизбежный эффект незаконченности начинает осознаваться как особое преимущество техники, важный эстетический прием. 

В 1870-е годы молодое поколение художников как бы заново раскрывает возможности акварели. Она не публична, это – техника «для себя», дающая абсолютную свободу самовыражения. Так, совершенно непривычного, «неизвестного» Крамского являют нам его  пейзажные «Калитка в саду» (1874), «Деревенский дворик во Франции» (1876), «В роще Медон близ Парижа» (1876) (рис.3), «Гапсаль» (1878). Трудно поверить, что жизнерадостные, многоцветные работы, исполненные вдохновенно и артистично, принадлежат кисти художника, которого в живописи отличают рассудительность, эмоциональная сдержанность, скупая, почти аскетичная цветовая гамма. 

С 1860-х годов очень интересно выстраивается линия развития пейзажа в сепии, представленная на выставке работами Л.Ф.Лагорио, А.П.Боголюбова, Ф.А.Васильева и И.И.Левитана. Их объединяют благородство и артистизм исполнения, основывающиеся на бесконечном разнообразии приемов владения кистью, характере ее прикосновений к бумаге, на различной степени проработки поверхности и нагруженности красочного слоя. 

Мощный импульс в постижении особенностей языка акварели и осознании ее эстетических возможностей дает введение изучения этой техники в программу высших художественных учебных заведений. Во многом новый взлет в акварельной живописи на рубеже ХIХ–XX веков связан с деятельностью П.П.Чистякова, он был осуществлен его учениками – В.И.Суриковым, В.А.Серовым и М.А.Врубелем. Феномен «чистяковской школы» заключается в непохожести вышедших из нее художников. Чистяков обладал особым даром выявлять и развивать индивидуальные черты, манеру письма каждого из них, «указать путь» (по выражению Сурикова).

В художественной системе Сурикова, а может быть, и в его жизни акварели отведено особое место. В этой технике он постоянно работал на протяжении почти 50 лет. Эволюция его акварельной манеры очевидна. Ее начало обозначено Сибирским циклом, исполненным летом 1873 года до занятий у Чистякова. Эти пейзажи объединяет строгость колористического решения, построенного на синевато-зеленых, «не знающих солнца» оттенках, «словно подсказанных художнику самой суровой сибирской природой». Серия итальянских акварелей 1883–1884 годов – шедевры акварельной манеры Сурикова. Ему подвластны жемчужное марево утреннего света, играющего на белых стенах соборов, слепящая яркость помпейских фресок, буйство красок карнавала. 

Другая знаменитая серия акварелей – испанская – создана в 1910 году во время совместного европейского турне В.И.Сурикова и П.П.Кончаловского. Естественно возникшее между ними соперничество было не просто соревнованием двух замечательных колористов, представителей разных поколений, но плодотворным для обоих столкновением разных художественных систем. Акварель Сурикова, будучи очень чутким инструментом, впитывает в себя черты искусства Нового времени. Экспрессия цвета, его эмоциональная напряженность, острота диссонирующих сопоставлений, культ незаконченности меняют его акварельную систему: он пишет размашистыми движениями кисти, широкими свободными заливками по влажной бумаге, доводя «красочную звучность акварели почти до парадокса, до перенапряжения». Таковы «Севилья», «Бой быков в Севилье»(рис.4). В творчестве младших учеников Чистякова – Врубеля и Серова – акварель обретает значительность, сопоставимую с их живописными произведениями. Работая буквально рядом, «рука об руку», каждый из них прошел собственный путь в акварели. Одаренный одинаково щедро талантом рисовальщика и колориста Серов выработал такую систему письма акварелью, где линия и цвет неразделимы. Он видел предметы обобщенно, воплощая их на листе бумаги как лаконичные пластические формулы, одним движением кисти моделировал форму и сообщал ей цвет. По своей природе акварель Серова тяготеет к графике, подчиняясь законам этого вида искусства в отношении к поверхности листа, принципам построения пространства и формы, степени условности языка. Колористическая гамма работ художника сдержана, построена на множественности тончайших градаций тона, разнообразии нюансировок и оттенков, ее благородный серый цвет способен выразить все цветовое многообразие мира. Удивительны никогда ранее не экспонировавшиеся акварельные наброски «В дороге» (1900-е) и «Греция. Остров Крит» (1907). Подойдя в них к некой границе предметного мира, к предельной степени условности языка, допустимой в рамках пластической системы того времени, Серов затрагивает задачи будущего художественного поколения, нерв их эксперимента с абстрактной формой. Врубель обладал редкой предрасположенностью к работе акварелью. Поразительно, что уже его первые акварельные опусы «Голова девочки (1882), «Е.М.Бем, сидящая в кресле»(1882), «За кружкой пива» (1883), исполненные в период обучения в Академии, лишены налета ученичества, выдают руку прирожденного акварелиста. Художник мгновенно осознал огромные перспективы, которые открывала именно его художественным потребностям акварельная техника. Акварельная манера Врубеля очень разнообразна: в «Персидском принце» (1886) он выслаивает пространство листа мельчайшими, тщательно нюансированными по цвету мазками, скрупулезно следующими форме; в «Портрете артистки Т.С.Любатович» (1890-е) создает изображение крупными пятнами, вольными затеками, словно подчиняясь прихотливому течению краски. В своей знаменитой «Розе» (1904) Врубель вдумчиво конструирует форму, словно стремясь проникнуть в тайны строения натуры, передать энергию тугих лепестков распускающегося цветка. В почти лишенных цвета монохромных иллюстрациях к «Демону» М.Ю.Лермонтова (1891), бесконечно варьируя приемы нанесения краски, сгущая ритмы разнообразных по тону пятен, Врубель создал особую вибрирующую подвижную среду – аналог поэтической материи лермонтовского текста. Выбор «стиля» определился лишь требованиями конкретного замысла, художественного образа. 

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.























1.2 Общество русских акварелистов

Возрождение всеобщего интереса к акварели произошло в последние десятилетия XIX века. По инициативе преподавателя Рисовальной школы Общества поощрения художников Э. С. Вилье де Лиль-Адана возник кружок для устройства акварельных выставок. В 1887 получил официальный статус Общества русских акварелистов, которое ставило целью «содействовать успеху и развитию акварельной живописи в России». Устав был утвержден 11 июля 1887. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. На выставке представлены произведения М.Я.Виллие, Э.С.Вилье де Лиль-Адана, П.П.Соколова, Р.Ф.Френца, И.А.Александрова, А.С.Егорнова, Р.А.Берггольца, Альб.Н.Бенуа. Некоторые из этих художников работали исключительно как акварелисты и, может быть, поэтому остались почти незаметными для «всеобщей» истории искусств. Тем не менее, задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов» несомненно выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. 

Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников. Так, под руководством блестящего мастера акварели Альберта Бенуа осваивали эту технику многие будущие члены художественного объединения «Мир искусства» Л.С.Бакст, А.Н.Бенуа, К.А.Сомов. Интересно, что создатели высочайшей графической культуры – «мир искусники» старшего поколения – в своем творчестве не часто обращались к технике чистой акварели. В «графических картинах», фантазиях на историческую тему они тяготели к более плотному корпусному письму и отдавали предпочтение гуаши и темпере, но приемы работы в этих техниках зачастую оставались акварельными. Акварельные работы А.Н.Бенуа, М.В.Добужинского, А.П.Остроумовой-Лебедевой почти всегда сдержаны и изысканны по цветовому решению, свободная работа акварельным пятном сочетается в них с активным рисунком, придающим графическую четкость организации поверхности листа. 

Акварельная живопись России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. К сожалению, в XX веке эта акварельная техника была почти забыта, отчасти это было связано с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными и быстро выцветающими.

Вывод по I главе

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Мы рассмотрели разные этапы развития акварели в России и увидели, что она претерпела множество изменений. К акварельной технике обращались многие художники, развивали ее и привносили в нее свой вклад.  Особенность русской акварели состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы акварели Сергея Андрияки, речь о ней пойдет в следующей главе.





















Глава II.  Современные русские школы акварели

2.1 Школа акварели Сергея Андрияки

Сегодня мы знаем, что при внимательном и требовательном отношении к материалам, которыми работаешь и соблюдении технологии живописи, получаются произведения, способные прожить долгие столетия. Из наших современников, в России конца XX — начала XXI вв. наиболее заметными явлениями в искусстве акварели стали серии работ Сергея Андрияки и мастеров его школы (Школа акварели Сергея Андрияки), которые стремятся возродить технику, приемы, жанры русской классической многослойной акварели.

В 1999 году по решению Правительства Москвы было создано Государственное бюджетное учреждение дополнительного образования города Москвы "Московская государственная специализированная школа акварели Сергея Андрияки с музейно-выставочным комплексом" .

Основная задача Школы акварели – дать основы профессионального художественного образования. Для реализации этой задачи художественным руководителем Школы, Народным художником России Сергеем Николаевичем Андриякой была разработана авторская методика, позволяющая научить основам классической акварели любого желающего.

Сергей Андрияка: «В нашу школу поступают и учатся. Вообще, о слове «талант» мы никогда не говорим. Потому что он иногда раскрывается очень не скоро. Бывает, даже через десятки лет.  И никогда не нужно падать духом. Было хорошее, старое дворянское образование. Оно никому не помешало – ни музицировать, ни рисовать, ни танцевать, ни сочинять стихи. По-моему, это прекрасно. Это просто грань жизни, которая открывается человеку, он этому радуется и, может быть, реализует тот дар, который Богом дан каждому человеку».

О Школе

Школа акварели Сергея Андрияки – это  государственное учебное заведение  дополнительного образования.  Преподаются чисто художественные дисциплины - рисунок, живопись акварелью. Учащиеся могут также пробовать свои силы в таких увлекательных сферах, как офорт, роспись по фарфору и керамике,  монументальная  живопись в интерьере.  В обязательном порядке преподаётся история русского искусства и мировой художественной культуры.

Сегодня количество учеников Школы акварели Сергея Андрияки доходит до 1000  человек. И это далеко не все желающие.  В Школу регулярно поступают предложения об открытии её филиалов в других городах России и за рубежом.

Учебные мастерские Школы рассчитаны на небольшое количество учащихся. Рядом с классами расположены мастерские преподавателей. С целью распространения многослойной акварели в смежные прикладные области , такие как роспись по фарфору, миниатюрная эмаль, сочетание акварельной живописи с гравюрой, в школе оборудованы офортная, керамическая, ювелирная мастерские.

Художники-педагоги

Вместе с Мастером в Школе работает близкий ему по духу творческий коллектив талантливых художников, опытных педагогов, прекрасно владеющих академической техникой акварельной живописи и готовых щедро делиться своими знаниями с учениками. Каждый из них – самостоятельный, активно работающий художник, участник многих выставок, различных творческих программ в России и за рубежом. Художественный руководитель Школы постоянно занимается с педагогами, щедро делясь с ними секретами акварельного мастерства.

Яркой и общедоступной иллюстрацией работы Школы акварели является ежегодно проводимый День открытых дверей, в программе которого встреча с художественным руководителем Школы акварели С.Н. Андриякой и педагогическим коллективом, мастер-классы, пробные и открытые уроки, экскурсии, концерт. В залах музейно-выставочного комплекса собирается всё лучшее, что создаётся молодыми талантливыми мастерами.

Школа акварели Сергея Андрияки прошла большой путь. По-настоящему народное признание Школа получила благодаря огромному количеству выставок (за 15 лет их состоялось более 500), мастер-классов и пробных уроков, прошедших во многих регионах России. География выставок постоянно расширяется. Творчество художников Школы знают и любят не только в России, но и за рубежом. Их искусство по достоинству оценили жители Парижа и Лондона, Венеции и Баден-Бадена, Токио и Шанхая, Вильнюса и Минска. Оглушительный успех имели выставки в ЦВЗ «Манеж» Москвы и Санкт-Петербурга, в ГМЗ «Царицыно». Только московский «Манеж» за короткие три недели посетили более 120 000 человек.

Обширна работа, проводимая коллективом Школы акварели в регионах России. Передвижная выставка «Мастер и ученик» знакомит общественность, любителей искусства, молодую художественную смену с творчеством С.Н. Андрияки, художников-педагогов Школы акварели Сергея Андрияки, работами учащихся. Организуемая в больших и, особенно, малых городах, она также помогает понять методику обучения, систему художественных заданий, приёмы овладения тем или иным секретом классической многослойной акварели. Педагоги осуществляют проведение выездных мастер-классов, активно участвуют в подготовке учебников  акварели, ищут новые эффективные методы преподавания.

В оборудованном на уровне мировых стандартов Музейно-выставочном комплексе Школы регулярно проводятся выставки акварели и графики XVII – начала XX веков из собрания ведущих музеев Москвы и России. В залах комплекса экспонировались работы из Государственного Исторического музея, Государственной Третьяковской галереи, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Государственного музея Востока.

Визитной карточкой выставочной деятельности Школы акварели Сергея Андрияки стал проект «Шедевры музейных коллекций», в рамках которого экспонируются акварели и рисунки XVII – начала XX вв. из собраний ведущих музеев России. В гостях у Школы были Пермская государственная художественная галерея, Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева, Тверская областная картинная галерея, Башкирский государственный художественный музей им. Н.В. Нестерова и др. В залах Музейно-выставочного комплекса экспонировались произведения И. К. Айвазовского, К.П. Брюллова, В.И. и А.И. Васнецовых, М.А. Врубеля, И.И. Левитана, В.И. Сурикова, И.И. Шишкина и многих других замечательных художников. Многие произведения, представленные на выставках, не только никогда ранее не публиковались, но даже не экспонировались. Всего в рамках проекта «Шедевры музейных коллекций» состоялось 19 выставок.

В залах музейно-выставочного комплекса Школы акварели Сергея Андрияки проводятся выставки наиболее ярких и талантливых современных художников, в том числе художников-педагогов Школы.

Настоящим событием в культурной жизни Москвы стало открытие выставки выдающегося русского живописца, графика, художника кино Ю.М. Ракши. Любители живописи получили истинное удовольствие от встречи с произведениями известного графика, классика офорта, Заслуженного художника России Б.Ф. Французова, художника-деревенщика Г.Г. Проваторова, самобытного современного живописца Ю.Н. Панцырева и художника- иллюстратора А.З. Иткина.

За 17 лет существования  Школы акварели Сергея Андрияки её замечательные художники – преподаватели во главе с Народным художником РФ, действительным членом РАХ Сергеем Андриякой  очень многого добились. Учебный процесс на всех этапах сохраняет для учащихся притягательность. Видимые успехи в обучении помогают их дальнейшему росту. Постепенно растёт их уверенность в своих силах. Многие из учеников Школы акварели Сергея Андрияки к настоящему времени успешно поступили в высшие художественные учебные заведения Москвы, в том числе и в Академию акварели и изящных искусств Сергея Андрияки. 

2.2 Акварели Елены Базановой

Известная петербургская художница Елена Базанова родилась  в  городе  Сланцы  Ленинградской области, окончила  Среднюю  художественную  школу при Академии Художеств. Потом училась в мастерской  книжной  графики А.А. Пахомова в Академии  Художеств. В 1995 вступила в Союз  художников  России, в  1996 году начала иллюстрировать издания для детей.

Сейчас Елена – член Общества акварелистов Санкт-Петербурга, регулярно  участвующий  в  сезонных  выставках  Союза  художников, активно выставляющийся как в России, так и заграницей (в Великобритании, Германии, США, Ирландии). На ее счету семь персональных и участие в более чем пятидесяти коллективных выставках в России.

Елена  Базанова писала с детства, начиная с шестилетнего возраста, когда начала ходить в изостудию. Писать акварелью не было для нее чем-то особенным, потому что она делала это всегда. Поэтому можно говорить о неких толчках в развитии техники, новых этапах постижения мастерства. Увиденный где-то неожиданный живописный прием, подсмотренный у старшеклассника способ подготовить бумагу к живописи, и непосредственно контакт с преподавателем. Настоящее становление техники началось в Средней художественной школе при Академии Художеств. Более осознанное владение материалом началось в Средней художественной школе, когда живопись вел Игорь Глазов, преподавател живописи, который смог добиться того, чтобы страх перед акварелью и перед собственным «шедевром» навсегда исчез. Елена Базанова чувствует этот материал, это позволяет  раскрывать его особенности в очень сложных живописных задачах. 

В институте совершенствовала владение материалом в сложном жанре портрета под руководством профессора Владимира Старова, в дальнейшем экспериментировала в живописи с разными техниками и материалами, использовала и гуашь, и темперу. К чистой акварели без использования белил вернулась только через пару лет после окончания учебы в ВУЗе.

В разное время и на различных этапах  творческого пути ее вдохновляли самые разные авторы и произведения: китайская и японская живопись, художники Возрождения (Дюрер, Боттичелли), голландская живопись XVII века, русские художники XIX века (К. Брюллов, И. Шишкин, Ф. Толстой) и начала XX века (Ю. Анненков, П. Филонов), американский художник Э. Уайет и другие. Однако в своей работе не стремилась кому-либо подражать, не создавала себе кумиров, старалась искать свой путь в технике и жанре.

Художница  владеет самыми разными техниками.  Делает рисунки мягкими материалами, при иллюстрировании книг  использует рисование тушью, пером и цветными карандашами. Елена пишет очень тонкие по цвету натюрморты. Причем огромные по размеру, 60х80, а то и больше. Чтобы покрыть такие пространства красивой заливкой, нужно сохранять ровность бумаги и влажность. Отсюда сформировался ее метод рисования – бумага смачивается снизу и оставляется сухой сверху. Бумага хлопковая, лежит поверх мокрой марли, что позволяет долго сохранять ее влажность и натянутость на планшете. В результате, когда для заливки поверхность увлажняется еще и сверху, она не деформируется. Нет “волны”, бугров, краска растекается легко и ровно. Базанова обычно работает “от куска”. Начинает с того, что требует быстрого завершения (увядающие листья или цветы, например). Если такого объекта нет, то с фона.

Вывод по II главе

Значимость Школ акварели в культурно-образовательной жизни России неоспорима. И сегодня поставлена и успешно реализуется еще одна задача: на базе специализированной школы акварели Сергея Андрияки создается Московская государственная Академия акварели и изящных искусств, учебное заведения нового типа, продолжающего лучшие традиции классического академического образования и, одновременно, адаптированного к потребностям современной художественной культуры. Организаторы школы ставят перед собой задачу не только обучать талантливых студентов из регионов, но и, по соглашению с губернаторами, готовить педагогов, которые в будущем смогли бы на местах продолжать традиции, заложенные еще прославленными художниками.



Заключение

При ознакомлении с творчеством художников прошлого, выявили, что они обращали внимание на акварель, как средство живописи и графики, применяли возможности акварели для раскрытия своих творческих  задач, а также для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов, а также российские художники обращали внимание на акварель, как на средство графики и живописи.

В результате изучения традиций русской акварели выяснилось, что  английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников.  В результате чего была создана петербургская школа акварели. Были рассмотрены этапы развития акварели в России. 

  Рассматривая тенденции возрождения акварели, убедились, что ошибочное утверждение о недолговечности бумаги и красящих пигментов используемых в акварели устарело ещё в конце ХIХ века. Современные художники – акварелисты, в частности Кузема, в своих статьях и интервью утверждают обратное.

Анализируя литературу, рассмотрены проблемы современной акварельной живописи. В связи со сложностью акварельной техники мало художников используют её в своих произведениях. Акварель требует верной руки, чувства цвета, чёткости мазка. В  направлениях же современного искусства легче всего использовать живопись маслом, при неимении академического образования. В художественных вузах акварель используется на начальных стадиях обучения, как переходный материал. Обучению технике акварели как виду живописи уделяется мало внимания. Возрождение академических школ акварели, где даются навыки овладения техникой акварели каждому желающему, в какой то мере, решает эту проблему.

  Закономерность возрождения акварели заключается в том, что в современном мире акварель используется в повседневной жизни, в частности на уроках рисования в школе, в детском саду, в домах творчества и т.д., то есть .......................